彩色攝影於1907年傳入美國,但直到50年代才開始作為一種藝術表現形式出現。其中包括像Ernst Haas,Helen Levitt等攝影師。在藝術史中,很多優秀藝術家在一段時間內被藝術圈忽視,卻在以後被廣泛接納。藝術家索爾·雷特(Saul Leiter)曾一度被忽視,但其卻是“紐約派”的重要人物。Saul Leiter拍攝於紐約的街道上超過半個世紀:從五十年代開始,直到2013年11月去世。作為率先開始嘗試彩色攝影的藝術家之一,他忠實記錄了紐約街頭最真實的一面。

不為人知的猶太攝影先驅 新聞 第1张

索爾·雷特(Saul Leiter,1923-2013)

最早成為攝影藝術表現方式的是黑白攝影,在那時也只有黑白影像才被稱為“嚴肅”的攝影作品。習慣在任何時代都難改,沒有其他顏色的干擾,黑白灰曾經顯得如此高級又易於統一畫面。但每個時代都有不安分的靈魂。美國攝影大師 Saul Leiter 就是這樣一位色彩攝影的先驅人。

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美國攝影大師索爾·雷特出生於賓夕法尼亞州匹茲堡,是一個有着幾百年曆史的拉比家族後裔。父親是國際著名的《塔木德》學者,也是匹茲堡正統猶太社區的領袖。他曾希望培養兒子成為拉比。在雷特12歲那年,母親送給他第一台相機,但其實他很早就對繪畫產生濃厚興趣,尤其是印象派,後來決定離開克利夫蘭神學院,搬到紐約曼哈頓東村找到了一處住所,進入了藝術學校,開始了他的繪畫生涯,那年他23歲。他的選擇讓家人深感不快。

雷特在紐約的繪畫生涯其實起步相當順利,他的早期畫作充滿了色彩,他沉浸在日本藝術華麗的極簡主義中,尤其是18和19世紀革命性的浮世繪版畫家。在課堂上,他有幸結實了當時正在嘗試攝影的抽象表現主義畫家Richard Pousette-Dart,這使他發現了攝影作為一種表現手段的潛能;經Richard介紹,雷特結實了美國攝影師W Eugene Smith,後者還贈過他平面設計師布洛多維奇的《芭蕾》一書。加之他看過一場紐約現代藝術博物館舉辦的卡蒂·布勒松個展,深受影響;後來他決定轉向攝影,這讓家人更不悅,因為他的父親認為攝影是下層社會人士幹得事情。

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20世紀40年代,雷特開始使用35mm徠卡在紐約拍攝黑白街頭攝影。到1948年,才開始拍攝彩色照片,並與其他當代攝影師如Robert Frank和Diane Arbus合作,在20世紀四五十年代對紐約攝影學院(New York school of photography)的建立做出了貢獻。

雷特的單色攝影在藝術界從未失去過它的地位。雷特的第一次彩色攝影展於20世紀50年代在藝術傢俱樂部舉行,這是當時許多抽象表現主義畫家的聚會場所。Leiter的作品被Edward Steichen注意到,他在20世紀50年代的兩場現代藝術博物館展覽中都出展了雷特的黑白及彩色照片作品。特別是在1957年紐約現代藝術博物館舉行的“彩色實驗攝影”大會上,雷特的“彩色”攝影作品正式被認可。

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上世紀50年代末,藝術總監亨利·沃爾夫(Henry Wolf)先後在《時尚先生》、《Esquire》和《時尚芭莎》上發表了雷特的色彩時尚作品。作為一名成功的時尚攝影師,雷特為Show,Elle,British Vogue,Queen和Nova等出版物做出了貢獻。同時,他沒有放棄自己的街拍,仍然繼續探索紐約街頭,打印他的一些黑白照片,但把大部分彩照都放在盒子里,沒有與公眾分享,直到20世紀90年代,他才開始回顧那些非凡的彩色作品,並開始製作版畫,得到外界認可。

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盡管他的攝影在50年代已經因其在彩色攝影方面的開創性貢獻而嶄露頭角,卻因為各種原因,延遲了人們對他非商業攝影的承認。在回憶起“低谷”時,《被少數人關注》一書影響了他,他從來不關注是否被人們認識,而是專注於自己該做的事情:比如繪畫、喝咖啡、聽收音機、攝影、看電視、讀書、和朋友一起聊天等。雷特自嘲自己並沒有受過足夠的苦,雖然曾經因為付不起房租而擔心,他說:“當我坐下開始畫畫,打開收音機聽着音樂,我就會被送往一個非常幸福的世界中。”

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正當20世紀80年代早期,雷特面臨財務困難,迫使他關閉了他的第五大道商業工作室。在接下來的二十年裡,他幾乎默默無聞地生活和工作。直到2006年在他85歲那年終於讓更多的人知道他的那場展覽和那本畫冊:《Saul Leiter: Early Color》,由作家/策展人馬丁·哈里遜和霍華德格林伯格畫廊的幫助下出版,成為被重新關注的重要契機。這本書介紹了索爾·雷特1948-1960年彩色攝影,這是他的第一本個人作品集,鞏固了其在色彩拍攝領域的先驅地位。

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拍攝風格及視角

有句話是對索爾·雷特最精到的概括:“被人忽略是一個人不可多得的優待”。在他的拍攝生活中,他似乎總是站在一個角落裡,不願被關注,拿着相機靜靜地看着眼前來往的人流和喧鬧的城市。

與其他街頭紀實攝影師,如羅伯特·弗蘭克、威廉·克萊恩等人不同的是,索爾·雷特的作品有獨特的感覺,這得益於他在繪畫方面的本能和天賦。他的作品着重於表現質感、空間的模糊和唯美感,他如同作畫一般認真地校準調色板,將抽象元素融入其中。

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雷特使用各種鏡頭,但他使用遠攝鏡頭居多,特別是150毫米鏡頭。這不是許多街頭攝影師選擇的焦距,但雷特試圖用它來創造一個壓縮視圖,讓作品看起來感覺像畫。雷特使用了許多其他策略來增強繪畫的外觀和感覺,包括風景往往透過雨、雪或霧氣彌漫的窗戶。包括反射,以及在不同深度處組合許多元素,他經常購買過期低廉的柯達彩色膠卷,這將使顏色發生驚人的變化。

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他喜歡拍攝的題材大約如下:利用城市人行道上蜿蜒的煙霧、咖啡館窗戶上聚集的蒸汽、玻璃櫥窗中的反射、街道上翻滾的積雪,來控制光線的飽和度、焦點的對比,以及照片的光澤和色調。他會使用傾斜的角度,或者將圖像中更人性化的元素推到框架的邊緣。他不會把注意力集中在某個人臉上的表情上,而是把雨傘的紅色、交通燈的綠色或經過的出租車的黃色作為他圖像的的引力中心。他喜歡隔着玻璃看裡面的人或物以及外部世界在玻璃上的映射,他喜歡尋找不完整的世界。

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雷特的公寓靠近聖馬克廣場,他在紐約生活了一輩子,在他拍攝的成千上萬張紐約照片中,絕大多數都是在他家附近的兩個街區內拍攝的。他的風格大膽、色彩優美、畫面別致,並且頻繁運用豎構圖,因而吸引了人們的注意力,其作品往往讓人們聯想到日本畫與抽象表現主義。對他來說,相機不是忠實地拍攝現實的工具,而是另一種看待現實、重新詮釋現實的方式。在他的作品中,最主要的情感是沉默、溫柔和優雅,這與紐約街頭瘋狂的匆忙生活形成了鮮明的對比。

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正是這種私人的、個人的攝影,導致了對萊特作品的重新評價。泰晤士和哈德遜出版的一本新專著證明,雷特應該被銘記為攝影史上最偉大的先驅之一,對於任何對如何在畫面中安排色彩感興趣的人來說,這都是一個基石。

如今他的作品在美國和歐洲的博物館和畫廊展覽中佔有突出地位。他的作品被休斯頓美術博物館收藏;芝加哥藝術學院;巴爾的摩藝術博物館;維多利亞和阿爾伯特博物館;澳大利亞國家美術館;惠特尼美國藝術博物館;密爾沃基藝術博物館;以及耶魯大學美術館等收藏。

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“我生命中的大部分時間都被忽視了,然而,我一直都很開心。被忽視是一種極大的特權。我想我就是這樣學會了去看別人看不見的東西,並以不同的方式對情況做出反應。我只是看看這個世界,並沒有為任何事情做好準備。”

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當今,雷特被認為是早期彩色攝影的先驅,是戰後攝影的傑出人物之一。近期出版的專著有Early Black and White(2014),Painted Nudes(2015),In My Room(2017),All about Saul Leiter(2017),Fashion Eye:Saul Leiter New York(2017)。

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“人不必去到遙遠的地方才可以發現美。”雷特的這句話是他照片的一貫基調,他擅於從平凡的場景中發現美,紮實的繪畫基礎讓他的作品擁有抽象而創新的構圖;

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總結

索爾·雷特力圖捕捉日常生活中稍縱即逝的幻想或遐思,他對構圖的控制精確到近乎科學,但畫面中卻不乏感性的詩意和豐富的視覺層次。有評論家認為在羅伯特·弗蘭克或威廉·克萊因等人的城市焦慮、內心對抗之外,索爾·雷特提供了另一種觀看方式,創造出獨特的大都市圖景。